Kunstakademie Artis
Du bist hier: Home | Ölmalerei, Level 2 | Kunst fotografieren: So fotografierst Du Deine Kunstwerke professionell
Warum gute Fotos Deiner Kunst so wichtig sind Du kannst das schönste Bild der Welt malen – wenn das Foto davon schlecht ist, wird kaum jemand seine wirkliche Qualität erkennen. Gerade online entscheidet nicht das Original über den ersten Eindruck, sondern das Foto. Auf Deiner Website, in sozialen Medien, in einem Online-Shop, in einer Bewerbung bei einer Galerie oder bei der Teilnahme an einem Wettbewerb: Immer sieht der Betrachter zuerst eine digitale Abbildung Deines Kunstwerks. Und genau hier liegt die große Verantwortung. Ein unscharfes, schiefes, zu dunkles oder farblich falsches Foto kann ein gutes Bild schwächer wirken lassen, als es ist. Ein sorgfältig fotografiertes Kunstwerk dagegen zeigt: Hier nimmt jemand seine Arbeit ernst. Gute Fotos sind also nicht nur technische Dokumentation. Sie sind Teil Deiner professionellen Präsentation als Künstler.
Beim Fotografieren von Kunst geht es nicht darum, Dein Bild schöner zu machen, als es ist. Es geht darum, es so wahrhaftig wie möglich zu zeigen. Die Farben sollten dem Original entsprechen. Die Form sollte nicht verzerrt sein. Die Oberfläche sollte erkennbar bleiben. Der Betrachter soll einen möglichst realistischen Eindruck davon bekommen, wie Dein Kunstwerk tatsächlich aussieht. Das ist besonders wichtig, wenn Du Deine Kunst verkaufen möchtest. Käufer möchten wissen, was sie bekommen. Galeristen möchten beurteilen können, wie sorgfältig Du arbeitest. Und Schüler, Sammler oder Interessenten sollen nicht durch schlechte Fotos daran gehindert werden, Deine Arbeit wirklich zu sehen.
Licht ist der wichtigste Faktor, wenn Du Kunst fotografieren möchtest. Zu dunkles Licht lässt Farben stumpf wirken. Zu hartes Licht erzeugt Schatten, Spiegelungen und überbelichtete Stellen. Direktes Sonnenlicht ist meistens problematisch, weil es harte Kontraste verursacht und einzelne Bereiche ausbrennen lässt. Am besten ist ein weiches, gleichmäßiges Licht. Ideal ist indirektes Tageslicht, zum Beispiel an einem hellen, aber leicht bewölkten Tag. Auch Nordlicht eignet sich gut, weil es meist kühl, ruhig und relativ konstant ist. Wenn Du regelmäßig Kunstwerke fotografieren möchtest, lohnt sich ein einfaches Setup mit zwei Tageslichtlampen oder Softboxen. Stelle sie links und rechts vom Bild auf, jeweils schräg im Winkel von ungefähr 45 Grad. So wird das Werk gleichmäßig ausgeleuchtet, ohne dass eine Seite heller ist als die andere. Vermeide dagegen: - direktes Blitzlicht -starke Deckenlampen - Spotlights - direktes Sonnenlicht - Mischlicht aus verschiedenen Lichtquellen - Licht, das nur von einer Seite kommt Gerade bei Ölmalerei, Firnis, Glasrahmen oder dunklen Bildbereichen können falsche Lichtquellen schnell störende Reflexionen erzeugen.
Ein häufiger Fehler beim Fotografieren von Kunst ist ein falscher Kamerawinkel. Wenn Du von oben, unten oder schräg von der Seite fotografierst, wird Dein Bild verzerrt. Ein Rechteck sieht dann plötzlich aus wie ein Trapez. Linien kippen. Proportionen stimmen nicht mehr. Das wirkt unprofessionell und kann Dein Kunstwerk schlechter erscheinen lassen, als es ist. Stelle die Kamera deshalb genau gegenüber dem Bild auf. Die Mitte der Kamera sollte auf die Mitte des Kunstwerks zeigen. Die Kamera darf weder nach oben noch nach unten gekippt sein. Wenn Dein Bild an der Wand hängt, sollte die Kamera ungefähr auf Höhe der Bildmitte stehen. Liegt das Bild auf dem Boden oder auf einem Tisch, musst Du von oben fotografieren – aber wirklich exakt gerade und nicht schräg. Ein Stativ hilft Dir dabei enorm. Es sorgt nicht nur für schärfere Fotos, sondern auch für eine saubere Ausrichtung.
Ein Stativ klingt vielleicht nach Profi-Ausrüstung, ist aber eine der einfachsten Verbesserungen überhaupt. Schon ein günstiges Handy-Stativ kann Deine Fotos deutlich besser machen. Es verhindert Verwacklung, hilft bei der geraden Ausrichtung und gibt Dir die Möglichkeit, in Ruhe zu kontrollieren, ob alles stimmt. Gerade wenn Du bei weicherem Licht fotografierst, kann die Kamera eine etwas längere Belichtungszeit brauchen. Aus der Hand entstehen dann schnell leichte Unschärfen. Ein Stativ macht das Bild ruhiger, klarer und präziser. Wenn Du kein Stativ hast, kannst Du Deine Kamera oder Dein Handy notfalls auf eine stabile Unterlage stellen. Wichtig ist nur: Die Kamera darf sich während der Aufnahme nicht bewegen.
Ein unscharfes Foto ist für die Präsentation von Kunst fast immer ein Problem. Betrachter möchten Details sehen: Pinselstriche, Lasuren, Linien, Strukturen, Kanten, Übergänge. Wenn das Foto unscharf oder verpixelt ist, geht genau das verloren. Fotografiere deshalb immer in höchstmöglicher Auflösung. Stelle sicher, dass die Kamera wirklich auf das Kunstwerk fokussiert und nicht auf den Hintergrund, den Rahmen oder eine zufällige Stelle davor. Bei Smartphones kannst Du meist auf dem Bildschirm auf das Kunstwerk tippen, um den Fokus zu setzen. Viele Kameras und Foto-Apps erlauben auch manuellen Fokus. Das ist besonders nützlich, wenn Du sehr detailreiche Zeichnungen, kleine Formate oder glänzende Oberflächen fotografierst. Nimm Dir nach jedem Foto einen Moment Zeit und zoome hinein. Prüfe, ob Linien und Details wirklich scharf sind. Wenn nicht: noch einmal fotografieren.
Reflexionen gehören zu den größten Herausforderungen beim Fotografieren von Kunst. Besonders schwierig sind: - Ölbilder mit glänzenden Stellen - Bilder mit Firnis - Werke hinter Glas - dunkle Bildbereiche - stark strukturierte Oberflächen - Metallrahmen oder glänzende Passepartouts Wenn Du Lichtquellen, Fenster, Deine eigene Silhouette oder helle Flecken im Bild siehst, musst Du Dein Setup verändern. Manchmal hilft es, die Lampen weiter seitlich zu stellen. Manchmal musst Du das Kunstwerk minimal anders positionieren. Bei Glasrahmen kann es helfen, den Raum hinter der Kamera abzudunkeln oder mit dunkler Kleidung zu fotografieren, damit sich weniger im Glas spiegelt. Direkter Blitz ist fast immer ungünstig. Er erzeugt helle Flecken, harte Reflexe und lässt Oberflächen schnell billig wirken.
Wenn Du Dein Kunstwerk dokumentieren möchtest, sollte nichts vom Bild ablenken. Ein unruhiger Hintergrund, Kabel, Möbel, Werkzeuge, bunte Stoffe oder Atelierchaos ziehen den Blick weg vom Kunstwerk. Für reine Werkfotos ist ein neutraler Hintergrund ideal: eine weiße, graue oder schwarze Wand, ein großer Karton, ein ruhiger Stoff oder eine saubere Fläche. Bei kleineren Arbeiten kannst Du auch ein großes Stück neutralen Karton verwenden. Wichtig ist nur, dass der Hintergrund nicht spannender wird als das Werk selbst. Für Deine Website, Deinen Shop oder Bewerbungen solltest Du mindestens ein klares, frontal fotografiertes Bild haben, auf dem nur das Kunstwerk zu sehen ist. Ohne Deko. Ohne Hände. Ohne Katze. Ohne Kaffeetasse. So kann der Betrachter das Werk ungestört beurteilen.
Beschneide Dein Kunstwerk nicht versehentlich. Gerade für Social Media wird oft versucht, ein rechteckiges Bild in ein quadratisches Format zu pressen. Dabei gehen Bildränder verloren. Das kann dazu führen, dass Betrachter die Größe, das Format oder sogar die Komposition falsch einschätzen. Für die seriöse Präsentation solltest Du Dein Kunstwerk immer einmal vollständig zeigen. Alle Ränder müssen sichtbar sein. Das Format muss stimmen. Nichts sollte abgeschnitten werden. Für Instagram, Facebook oder Pinterest kannst Du zusätzlich Detailausschnitte verwenden. Aber das Hauptfoto sollte immer das gesamte Werk zeigen.
Wenn Dein Werk feine Details, besondere Texturen oder schöne Oberflächen hat, solltest Du diese zusätzlich zeigen. Gerade bei realistischer Malerei sind Nahaufnahmen sehr wertvoll. Sie zeigen, wie sorgfältig Du gearbeitet hast. Sie machen sichtbar, was in einer kleinen Online-Ansicht leicht verloren geht: Fellstrukturen, Lasuren, feine Linien, Stofflichkeit, Glanzlichter, Hauttöne, Blütenblätter, Holzmaserung oder subtile Übergänge. Detailfotos eignen sich besonders gut für: - Deine Website - Online-Shops - Social Media - Newsletter - Werkpräsentationen - Blogartikel - Kursmaterial - Vorher-nachher-Vergleiche Achte aber auch bei Nahaufnahmen auf Schärfe, gutes Licht und ehrliche Farben. Ein Detailfoto darf poetisch sein – aber es sollte nicht lügen.
Neben dem reinen Werkfoto ist ein Raumfoto sehr hilfreich. Ein Kunstwerk wirkt anders, wenn man sieht, wie groß es ist und wie es an einer Wand hängt. Für Käufer ist das besonders wichtig. Sie möchten sich vorstellen können, wie das Bild in einem Wohnzimmer, Flur, Büro oder Atelier wirken könnte. Du kannst Dein Werk also einmal pur fotografieren und zusätzlich in einem echten Raum zeigen. Zum Beispiel über einem Tisch, neben einem Möbelstück oder an einer ruhigen Wand. Wichtig ist: Der Raum soll das Bild unterstützen, nicht übertrumpfen. Die Einrichtung darf nicht so dominant sein, dass das Kunstwerk zur Nebensache wird.
Fast jedes Foto braucht eine kleine Nachbearbeitung. Das ist völlig in Ordnung – solange Du das Bild nicht verfälschst. Ziel der Bildbearbeitung ist nicht, das Kunstwerk dramatischer, bunter oder perfekter zu machen. Ziel ist, das Foto näher an das Original heranzubringen. Du kannst also Helligkeit, Kontrast, Weißabgleich, Farbstich, Perspektive und Schärfe vorsichtig korrigieren. Besonders wichtig ist der Weißabgleich. Wenn Dein Foto zu gelb, zu blau, zu grün oder zu grau wirkt, stimmen die Farben nicht. Das passiert schnell, wenn Du bei künstlichem Licht fotografierst oder verschiedene Lichtquellen mischst. Vergleiche das Foto immer mit dem Original. Lege das Bild auf den Bildschirm und schau daneben auf das echte Kunstwerk. Frage Dich: - Ist das Weiß wirklich weiß? - Sind die Schatten zu dunkel? - Sind die Farben zu gesättigt? - Ist das Bild heller oder dunkler als das Original? - Sind warme und kühle Farbbereiche korrekt wiedergegeben? - Die Nachbearbeitung darf helfen. Aber sie darf nicht betrügen.
Filter sind für Kunstfotos meistens keine gute Idee. Ein Instagram-Filter kann eine Landschaftsstimmung hübsch machen, aber bei Kunstwerken verändert er die Farben, Kontraste und Tonwerte. Dadurch sieht Dein Werk plötzlich anders aus, als es wirklich ist. Für künstlerische Posts darfst Du natürlich kreativ sein. Aber wenn es um Verkauf, Dokumentation, Website, Portfolio oder Wettbewerbe geht, solltest Du auf Filter verzichten. Deine Kunst braucht keine digitale Schminke. Sie braucht ein gutes, klares, ehrliches Foto.
Ein gutes Foto ist nur dann nützlich, wenn Du es später auch wiederfindest. Lege Dir am besten eine klare Ordnerstruktur an. Zum Beispiel: Kunstwerke / Jahr / Titel / Originalfotos / Bearbeitet / Webversion Benenne Deine Dateien eindeutig. Nicht: IMG_4837.jpg Sondern besser: john_doe_titel_des_werks_oel_auf_paneel_40x50cm.jpg Das hilft Dir später bei Bewerbungen, Online-Shops, Presseanfragen und Deiner Website. Auch für SEO ist ein sinnvoller Dateiname besser als eine zufällige Kameranummer. Für die Archivierung solltest Du eine hochauflösende Version behalten. Für die Website brauchst Du zusätzlich eine optimierte Webversion, die nicht zu groß ist und schnell lädt.
Für Deine Website brauchst Du gute Qualität, aber keine riesigen Dateien. Sehr große Bilddateien können Deine Website langsam machen. Das ist schlecht für Besucher und auch nicht ideal für SEO. Gleichzeitig dürfen die Bilder nicht so stark komprimiert sein, dass sie unscharf oder fleckig wirken. Eine gute Praxis ist: - Originaldatei hochauflösend sichern - Webversion separat speichern - Dateinamen sinnvoll benennen - Alt-Texte für Bilder verwenden - Bildgröße an die Website anpassen - nicht unnötig große Dateien hochladen Der Alt-Text sollte kurz beschreiben, was zu sehen ist. Zum Beispiel: Ölgemälde einer realistisch gemalten Birne auf dunklem Hintergrund Oder: Realistische Tierzeichnung eines Fuchses mit feinem Fell in Grafit Das hilft Suchmaschinen und macht Deine Website zugleich barriereärmer.
Ja, das geht. Du brauchst nicht zwingend eine teure Kamera, um Deine Kunst gut zu fotografieren. Moderne Smartphones können sehr gute Ergebnisse liefern, wenn Licht, Ausrichtung, Schärfe und Nachbearbeitung stimmen. Wichtiger als das Gerät ist Deine Sorgfalt. Achte beim Fotografieren mit dem Handy besonders auf: - Linse vorher reinigen - höchste Auflösung einstellen - nicht digital zoomen - Handy gerade halten - Stativ oder stabile Unterlage nutzen - Fokus auf das Kunstwerk setzen - Belichtung kontrollieren - keine automatischen Filter verwenden Wenn Dein Handy Weitwinkelverzerrungen erzeugt, gehe etwas weiter weg und nutze – falls vorhanden – den optischen Zoom. Digitaler Zoom verschlechtert allerdings die Qualität.
Wenn Du eine Kamera verwendest, hast Du mehr Kontrolle. Eine Systemkamera oder Spiegelreflexkamera erlaubt Dir bessere Einstellungen für Schärfe, Belichtung und Objektivwahl. Besonders hilfreich ist ein Objektiv, das möglichst wenig verzerrt. Extreme Weitwinkelobjektive sind für Kunstfotografie ungünstig, weil sie Formen verbiegen können. Für viele Kunstwerke eignet sich eine mittlere Brennweite besser als Weitwinkel. Wichtig ist, dass Du genug Abstand zum Werk hast und es trotzdem vollständig abbilden kannst. Arbeite möglichst mit Stativ, niedriger ISO-Zahl und guter Beleuchtung. So bekommst Du klare, rauscharme Bilder mit feinen Details.
Das Bild ist schief Wenn das Kunstwerk im Foto kippt, wirkt es unruhig und unprofessionell. Richte es sauber aus oder korrigiere die Perspektive vorsichtig in der Nachbearbeitung. Die Farben stimmen nicht Falsches Licht oder falscher Weißabgleich können die Farben stark verändern. Fotografiere bei neutralem Licht und korrigiere die Farben ehrlich. Das Foto ist unscharf Prüfe die Schärfe immer vergrößert. Auf dem kleinen Handybildschirm sieht vieles besser aus, als es später am Computer wirkt. Es gibt Spiegelungen Ändere Lichtquelle, Winkel oder Umgebung. Bei Glas oder Firnis brauchst Du oft mehrere Versuche. Der Hintergrund lenkt ab Für Werkfotos gilt: Je ruhiger, desto besser. Das Kunstwerk ist angeschnitten Zeige das Werk vollständig. Ausschnitte sind nur als zusätzliche Detailfotos sinnvoll. Das Foto ist zu dunkel Zu dunkle Fotos lassen Kunst schwer und stumpf wirken. Erhöhe die Lichtmenge oder korrigiere die Belichtung vorsichtig. Das Werk wurde zu stark bearbeitet Wenn das Foto schöner ist als das Original, ist es kein ehrliches Werkfoto mehr.
Bevor Du fotografierst, prüfe: Vorbereitung Ist das Kunstwerk sauber? Ist der Rahmen sauber? Ist der Hintergrund ruhig? Hängt oder liegt das Werk gerade? Sind störende Gegenstände entfernt? Licht Ist das Licht weich und gleichmäßig? Gibt es keine harten Schatten? Gibt es keine Reflexionen? Wurde direktes Sonnenlicht vermieden? Wurde auf Blitz verzichtet? Kamera Steht die Kamera frontal zum Kunstwerk? Ist sie auf Höhe der Bildmitte ausgerichtet? Wird ein Stativ verwendet? Ist die Auflösung hoch genug? Ist das Bild scharf? Aufnahme Ist das gesamte Werk sichtbar? Sind die Ränder nicht abgeschnitten? Wirkt das Format unverzerrt? Gibt es zusätzlich Detailfotos? Gibt es bei Bedarf ein Foto im Raum? Nachbearbeitung Stimmen Helligkeit und Kontrast? Entsprechen die Farben dem Original? Wurde kein starker Filter verwendet? Ist die Datei sinnvoll benannt? Gibt es eine Webversion und eine Archivversion?
Vielleicht klingt das streng, aber es ist wahr: Wie Du Deine Kunst fotografierst, erzählt etwas darüber, wie Du selbst Deine Kunst behandelst. Ein lieblos fotografiertes Bild auf einem unaufgeräumten Boden sagt etwas anderes als ein klar ausgeleuchtetes, sauber präsentiertes Werk. Nicht, weil Künstler steril oder perfekt sein müssen. Natürlich nicht. Ateliers dürfen leben, riechen, bekleckst und chaotisch sein. Aber wenn Du Dein Werk der Welt zeigst, darf es seinen besten Auftritt bekommen. Nicht geschönt. Nicht künstlich aufgeblasen. Aber respektvoll. Denn gute Fotos sagen: Dieses Werk ist mir wichtig. Ich habe Zeit, Gedanken und Können hineingelegt. Und ich möchte, dass Du es wirklich sehen kannst.
Kunst zu fotografieren ist keine Nebensache. Es ist ein wichtiger Teil Deiner Arbeit als Künstler. Du brauchst dafür nicht unbedingt ein teures Studio. Aber Du brauchst Sorgfalt, gutes Licht, eine ruhige Hand oder ein Stativ, ein Auge für Farben und die Bereitschaft, ein Foto noch einmal zu machen, wenn es nicht stimmt. Fotografiere Dein Kunstwerk frontal. Leuchte es gleichmäßig aus. Vermeide Reflexionen. Zeige es vollständig. Ergänze Details und Raumaufnahmen. Bearbeite Deine Fotos nur so weit, dass sie dem Original möglichst nahekommen. Dann wird Dein Foto nicht zum Hindernis zwischen Deiner Kunst und dem Betrachter, sondern zur Brücke. Und genau das soll ein gutes Kunstfoto sein: eine stille, klare Einladung, Dein Werk wirklich zu sehen.
Freiwillige Spende
Wenn dir die kostenlose Malschule Spaß macht: ich freue mich über jeden, der mir ’ne virtuelle Münze in den Farbkasten wirft: ein kleiner Beitrag für Terpentin, Farben & gute Laune.
Du bist hier: Home | Ölmalerei, Level 2 | Kunst fotografieren: So fotografierst Du Deine Kunstwerke professionell
Die eigene Kunst online zu bewerben, fühlt sich für viele Künstler erst einmal seltsam an. Vielleicht sogar ein bisschen unangenehm. Schließlich möchtest Du malen, zeichnen, gestalten, Dich vertiefen, mit Farben ringen, Formen suchen und Bilder erschaffen — nicht ständig Werbung für Dich selbst machen. Und doch gehört Sichtbarkeit heute zur künstlerischen Arbeit dazu.
Viele Künstler stellen sich irgendwann dieselbe Frage: Wie komme ich eigentlich mit Galeristen in Kontakt? Und noch wichtiger: Wie spreche ich eine Galerie an, ohne aufdringlich zu wirken? Gerade wenn Du viel Zeit, Kraft und Herzblut in Deine Kunst investierst, ist der Wunsch verständlich, Deine Arbeiten endlich in den richtigen Händen zu wissen. Du möchtest gesehen werden. Ernst genommen werden.
Wenn Du Kunst erschaffst, entsteht nicht nur ein Bild, eine Zeichnung, eine Skulptur oder eine digitale Arbeit. Es entsteht auch ein Werk, das rechtlich geschützt sein kann. Genau hier beginnt das Urheberrecht. Für Künstler ist das Urheberrecht kein trockenes Juristen-Thema, sondern ein sehr praktischer Schutzraum. Es sorgt dafür, dass nicht einfach jeder Deine Arbeiten kopieren, verkaufen, online stellen, verändern oder als eigene Idee ausgeben darf.
Glas zu zeichnen gehört zu den schönsten und zugleich lehrreichsten Übungen im Zeichnen. Kaum ein anderes Material fordert Dein Auge so sehr heraus: Glas ist durchsichtig, spiegelt seine Umgebung, bricht das Licht und zeigt feine Übergänge zwischen Helligkeit, Schatten und Reflexen. Gerade deshalb ist es ein wunderbares Motiv, wenn Du lernen möchtest, genauer zu sehen und bewusster zu zeichnen.
