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Hast Du dich schon einmal gefragt, warum Künstler direkt auf weiße Leinwand malen? Die Antwort liegt in der nicht allzu fernen Vergangenheit. Die oft gefeierten Impressionisten (19. Jahrhundert) bevorzugten weiße Leinwände, weil sie der Meinung waren, dass Farben heller wirkten, wenn sie über eine weiße Oberfläche gemalt wurden. Impressionisten arbeiteten auch unter freiem Himmel, um flüchtige Lichtmomente festzuhalten. Aus diesem Grund bauten sie ihre Bilder nicht durch Schichten auf, sondern versuchten, mit jedem Strich die „richtige“ Farbe an die „richtige“ Stelle zu bringen.
Schaue Dir das impressionistische Gemälde unten an und beachte, wie sich die helle Leinwand auf das resultierende Bild auswirkt…
Vor den Impressionisten allerdings gingen die meisten Künstler auf ganz andere Weise an die Malerei heran. Sie arbeiteten in einem Studio und verwendeten Farbe oft erst, nachdem sie eine vollständig gerenderte, monochromatische Farbschicht, die als Untermalung bezeichnet wurde, fertig gestellt hatten (z. B. >> Grisaille). Diese Herangehensweise an die Malerei wird oft als „indirekte“ Malerei bezeichnet.
Die Impressionisten hatten natürlich keine Zeit, sich lange der Untermalung zu widmen, da sie gegen das wechselnde Licht der sich ständig bewegenden Sonne ankämpften. In der Geschichte der Malerei jedoch gab es auch eine Zeit, in der Künstler weder über einer Untermalung noch auf weißen Leinwänden arbeiteten – die Barockzeit. Gemälde der Barockzeit Während der Barockzeit verwendeten die meisten Künstler Leinwände oder Tafeln, die dunkelbraun und sogar schwarz getönt waren. Das Arbeiten auf einer dunklen Basisschicht hat einige große Vorteile, die durch das Arbeiten auf einem hellen Untergrund nicht reproduziert werden können. Der größte Vorteil beim Arbeiten auf einer dunklen Leinwand ist, dass es Mühe spart. Alle Schatten sind bereits da. Als Künstler muss man sich nur auf die Lichtwerte konzentrieren. Diese Herangehensweise an das Malen ist dem Arbeiten auf einer schwarzen Zeichenfläche mit einem weißen Zeichenmedium sehr ähnlich. Die Schatten werden entweder ignoriert oder mit einer Technik namens Scumbling vervollständigt. Das Lasieren ist eine Maltechnik, bei der ein dünner, durchscheinender Farbauftrag kräftig in die Leinwand geschrubbt wird, während ein Teil der darunter liegenden Schicht durchscheint. Ein fertiges Barockgemälde wirkt skulptural, weil sich die hellen Partien gegenüber dem hauchdünnen Farbauftrag in den Schatten reliefartig abheben. Da die Schattierungen durch eine optische Mischung von durchscheinender Farbe über der dunklen, matten Oberfläche entstehen, sind die Schatten nie so bunt. Wenn Du hellere, High-Key-Gemälde bevorzugst, wäre diese Eigenschaft der Barockmalerei ein Nachteil. Da die Schatten jedoch so matt sind, wirken die Lichter im Kontrast dazu heller. Bevor Du durch den Prozess der Barockmalerei gehat, solltest Du dir sich einige bemerkenswerte Beispiele ansehen, die von einigen der bekanntesten Maler aller Zeiten ausgeführt wurden.
Schau Dir das Bild unten an. Mit dem Titel "Der Philosoph in Meditation" ist dies ein weniger bekanntes Werk von Rembrandt – aber ein hervorragendes Beispiel dafür, wie Barockmaler die dunkle Leinwand zu ihren Gunsten wirken ließen.
Betrachte die Treppe. Während die Treppe in der Dunkelheit verschwindet, verschwindet auch Rembrandts Farbauftrag. Er schrubbte einfach kleinere Mengen der gleichen braunen Farbe vom unteren Ende der Treppe in die Mitte und ließ die untere schwarze Schicht den Wert jeder Treppe verdunkeln. Viele der kleinen Schatten zwischen benachbarten Dielen sind nur die schwarze Unterschicht, die durch die helleren Lasuren hindurchscheint. Als Rembrandt auf die hellsten Werte hinarbeitete, trug er seine Farbe dicker auf. Peter Paul Rubens Peter Paul Rubens ist vor allem für seine großen, wirbelnden Kompositionen bekannt, in denen zahlreiche Menschen und wilde Tiere zu sehen sind. Auf dem Gemälde von St. Peter (unten) können wir jedoch erkennen, wie er die dunkle Leinwand verwendet hat, um den starken Schatten auf dem Kopf und der Kleidung von St. Peter zu erzeugen. Es gibt eine vollständige Lücke zwischen den Haaren im Schatten und dem Gesicht. Gut platzierte Haarstriche schweben im Raum und lassen die eigene Vorstellungskraft des Betrachters die Lücke füllen.
Auch ein großer Maler des Barocks: Diego Velazquez. Er war ein produktiver Hofmaler und diente Philipp IV., König von Spanien und Portugal. Das folgende Gemälde zeigt, wie effektiv Velazquez darin war, die dunkle Leinwand auf verschiedene Weise zu verwenden. In diesem Gemälde mit dem Titel "La Aguador de Seville" verwendete Velazquez die dunkle Leinwand, um ein klares Glas, drei Personen in unterschiedlichen Lichtintensitäten und Tongefäße meisterhaft einzufangen. Schaue Dir das Glas an, das der alte Mann und der Junge halten. Wunderschön gemalt, und doch verwendete Velazquez tatsächlich sehr wenig Farbe. Eine extrem kleine Menge Weiß wurde von den Rändern des Glases zur Mitte des Glases hin verschmiert. Getrennte Punkte am unteren Rand und starke Highlights am Rand geben uns ein Gefühl für Details mit minimaler Arbeit seitens des Künstlers. Velazquez’ Ökonomie der Striche ist ein Beweis für seine Beherrschung der Malerei – alles, was nötig ist, und nicht mehr.
Schaue Dir nun den Mann in der Mitte an – der eine trinkt Wasser hinter den anderen beiden Figuren. Sein Kopf wurde nur mit einer Farbe gemalt. Die Farbe ist dort am dünnsten, wo die Werte am dunkelsten sind. Sein Haar ist überhaupt nicht bemalt, wird aber durch das Lasieren im Hintergrund um seinen Kopf herum angedeutet – einfach, aber effektiv. Es ist der rechte Mann, der Wasserträger, der Gegenstand des unten folgenden Beispielbildes ist. Sein markantes Gesicht ist ein großartiges Beispiel dafür, wie das Malen auf einer schwarzen Leinwand Zeit und Energie sparen kann. Tatsächlich ist die Kopie dieses Kopfes, die unten in Etappen gezeigt wird, das Ergebnis nur einer Malsitzung. Lass uns damit durch die Stadien gehen, in denen ein Kopf wie dieser gemalt wird.
Schritt eins – Skizziere das Motiv auf einer schwarzen oder dunkel getönten Oberfläche Zeichne mit einem Aquarellstift die wichtigsten Linien des Motivs. Da es sich bei dem Beispiel um eine Kopie handelt, habe ich einfach mit der Graphit-Transfer-Methode einige Linien auf eine mit schwarzer Acrylfarbe vorbereitete Leinwand übertragen.
Zweiter Schritt – Hellere Werte schichten Mische jetzt mit Ölfarbe einige helle Werte mit Farben, die als deckend oder halbdeckend klassifiziert sind. Beim Mischen der Farben unbedingt Titanweiß verwenden. Die Menge hängt davon ab, wie hell Dein Farbton werden soll. Titanweiß stand den Barockmalern nicht zur Verfügung, ist aber das deckendste Pigment von allen und ist die beste Wahl, die Künstlern heute zur Verfügung steht. (Denke daran, das Weiß mit einer Farbe zu mischen – reines Weiß sieht unnatürlich aus.) Verwende für das Porträt folgende Farben: Gelben Ocker, Kadmiumrot mittel, Elfenbeinschwarz, Titanweiß. Das ist alles. Mehr nicht.
Schritt drei – Trenne die Lichter und die Dunkelheiten
Trenne mit nur einer oder zwei Farben die Lichter von den Dunkelheiten, indem Du zuerst die hellen Werte mit einer extrem kleinen Menge Farbe mit dem Pinsel verwischst (schrubbst). Man könnte damit beginnen, einen steifen Borstenpinsel mit Farbe zu laden und ihn dann mit einem Lappen oder Papiertuch abzuwischen, bevor man die Reste der Farbe im Pinsel auf die Leinwand aufträgt. Wenn die Farbe die untere schwarze Schicht vollständig bedeckt, wurde zu viel Farbe aufgetragen.
Verwende einen Radierstift (ja, Du kannst damit dünne Ölfarben entfernen), um die Falten im Fleisch herauszuarbeiten und die Schatten um das Auge genau zu formen.
Vierter Schritt – Füge dem Fleisch Komplexität hinzu Mische Dir ein paar weitere Werte der Fleischfarbe und beginne direkt und deckend in den Bereichen zu malen, die nur vom Licht getroffen werden. Sei vorsichtig mit den Übergängen von Tönungen zu Schattierungen. Verwende bei Bedarf einen Lappen, um die Farbe in diesen Bereichen abzuwischen, und mache einen Übergang, nicht nur von hell zu dunkel, sondern auch von dicker zu dünner.
Schritt 5 – Wende bei Bedarf dunklere Werte an Obwohl in diesem Beispiel nicht verwendet, kannst Du auch dunkle Farbschichten auftragen. Wenn man sich das aus Spulen gebaute Gefäß im unteren Teil von Velazquez' Der Wasserträger von Sevilla genauer ansieht, wird man feststellen, dass einige der Schatten zwischen den Spulen entstehen, indem man den Hintergrund durchscheinen lässt, während andere dunkle Akzente über die Farbe des Gefäßes gemalt wurden.
Fazit Auf Deiner eigenen Reise durch die Malerei kannst Du dich selbst dafür entscheiden, wie die Barockmaler auf schwarzen Leinwänden zu arbeiten oder einfach von ihnen zu leihen, wenn es am besten geeignet ist. Wir können immer von den Meistern lernen, die vor uns gekommen sind, und ihre perfektionierten Techniken auf unsere Gemälde anwenden.
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Wer künstlerisch arbeitet, kennt diesen Moment: Da kommt ein Angebot, das sich zunächst wunderbar anhört. Eine Ausstellung in einer Galerie. Ein Platz in einem Kunstkatalog. Eine Veröffentlichung in einem Magazin. Endlich Sichtbarkeit, endlich Öffentlichkeit, endlich das Gefühl, mit der eigenen Arbeit ein Stück weiterzukommen. Und dann folgt der zweite Blick: Dafür sollst Du bezahlen.
Viele Menschen glauben, ein Gemälde beginne mit Farbe. Mit leuchtendem Rot, sattem Blau oder warmen Hauttönen. Doch in der klassischen Malerei ist das oft nicht der Fall. Sehr viele gute Bilder entstehen zunächst ganz ohne Farbe – oder zumindest fast ohne sie. Bevor die eigentliche Malerei beginnt, legen viele Künstler ihr Motiv in einer monochromen Untermalung an. Diese erste Phase nennt man häufig Grisaille.
